"VIVIR POR Y PARA ESCRIBIR": EL COLECCIONISTA DE ALMAS PERDIDAS

- ENTREVISTA A IRENE GRACIA -
"Habla de su libro para Círculo.es"

Escritora y pintora, Irene Gracia nació en Madrid en 1956. Es autora de las novelas Fiebre para siempre (Premio Ojo Crítico 1994), Hijas de la noche en llamas, Mordake o la condición infame y El coleccionista de almas perdidas. Amante de los clásicos, defensora de la artesanía de la palabra, su obra destaca por la autenticidad de su universo literario personal, profundo, hipnótico y original.

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Tu novela tiene un aire a los cuentos de Poe...

Autores como Poe, Oscar Wilde o Borges me han marcado especialmente. Los leí en la adolescencia y me han influenciado no sólo literariamente, sino como persona, en la actitud ante la vida.

Literariamente, lo más importante que he aprendido deellos es la búsqueda de la esencia de los temas. También he aprendido que es más valioso escribir un buen relato breve que una novela larga que sólo sea correcta. Pero sobre todo he aprendido de su postura ante el mundo, de ese orgullo de escritor, de su inconformismo.
Me alegra que te refieras a Poe, porque por él siento un afecto esencial, casi personal: uno de los poemas que

más me impactó se titula precisamente Irene. Incluso he soñado varias veces con él: una vez publiqué un artículo en el que narraba uno de esos sueños, en el que el propio Poe me hablaba sobre el mal y el hombre; ¡imagínate qué lección sobre un tema tan importante!

Juegas con la confusión entre máquinas y hombres. ¿Qué te atrajo de los autómatas?

Es uno de los temas universales, el concepto de Dios arquitecto. Cuando los personajes de mi novela crean y fabrican sus mundos en miniatura, emulan al Gran Arquitecto, a aquél que creó al hombre; después de todo creo que Dios es un concepto humano. El tema de la creación es un mito universal (Pigmalión, el Gólem...) y un tema que hoy día sigue vigente en asuntos como la robótica o los clones.

La confusión entre el creador y el creado es también un tema recurrente en muchos cuentos de Borges. ¿Quien creó a quién? Los autómatas podrían ser la materialización de esta idea, del espejo borgiano. También está la idea de que las máquinas se pueden acabar rebelando contra el hombre, al igual que le hombre se rebela contra el hombre.

Pero lo que más me gustaba de los autómatas es esa nostalgia que se desprende del gesto repetido. Ese gesto es la captura de un instante cotidiano, ideal, y representa de algún modo el deseo humano de burlar al tiempo y, por lo tanto, a la muerte.

El viaje hacia la locura es un tema recurrente en tus obras...

Más que un viaje a la locura, es un viaje interior a los confines de la mente, esa zona oculta y prohibida del cerebro que puede ser oscura pero también la más luminosa. Una zona donde se atreven a viajar los más libres, los más solitarios, la ventana a la que se asoman los artistas, los científicos...

Mis personajes inician ese viaje peligroso, pero vale la pena correr el riesgo. Vale la pena pagar con la locura como hizo Nietzsche -uno de los autores que más me han influenciado- si en el camino eres capaz de escribir Así habló Zaratustra. Creo que sí, es un precio que vale la pena pagar.

¿Por qué decidiste incluir cuentos cortos en la narración?

Bueno, me sumo a una tradición que ya está presente en obras como Las mil y una noches o el Decamerón. Se trata de una narración poliédrica, que une dos planos, el real y el fantástico. Los cuentos me interesaban especialmente porque reflejan el poder de la palabra. Dios dijo: «hágase la luz». Y la luz se hizo. Las palabras generan la vida y la muerte. Con las palabras, en la vida cotidiana, se absuelve y se condena. Los artistas, en la antigüedad, condenaban para siempre con la palabra, como en el infierno de Dante. No hay que desdeñar su poder.

También quería reivindicar mi amor por los cuentos fantásticos. Reivindicar el orgullo de escritor. En la novela, el mayor esfuerzo ha sido conseguir el equilibrio entre los dos universos: la historia de Anatol, un cuentacuentos que llega a matar con el poder de la palabra, y su propia vida, que acaba convertida, al final, en un cuento de terror.

Sitúas tu novela en el cambio del siglo XIX al XX. ¿Era esa época un terreno más fértil para la imaginación?

Wilde decía que a veces es más fácil alejarte de tu tiempo para reflejar lo actual. La época en que transcurre la novela es fascinante, pero tiene además muchos paralelismos que nos sirven para contar lo que sucede ahora. Entonces el hombre era más ingenuo -aunque no más inocente-, era un testigo emocionado y esperanzado de su tiempo. Todos los frenéticos acontecimientos del momento (la llegada del automóvil, la electricidad, el cine...) le fascinaban. La más brutal y avanzada maquinaria bélica se exponía junto a los juguetes más lúdicos, como los autómatas, y en las revistas había noticias increíbles -recuerdo una que hablaba de una ciudad para enanos en Nueva York- que se confundían con leyendas y cuentos fantásticos.

Las exposiciones universales eran microcosmos donde se concentraba nuestro mundo con otras civilizaciones desconocidas, con tribus perdidas y razas diferentes, se escenificaban viajes a la Luna... Los mundos reales, los imaginados, el pasado y el presente..., todo se fundía. Era el germen de la «aldea global» de la que se habla ahora.

Como he dicho, hay muchos paralelismos con nuestro fin del siglo XX. La Primera Guerra Mundial, como se ve en la novela, fue el fin de aquella era de ingenuidad. Ahora, al final del siglo XX, también tenemos una guerra, más perversa, en la que no conocemos al enemigo y no sabemos dónde están puestas las minas.

Tienes también una faceta de pintora; ¿sigues pintando?

Sí. De hecho he pintado, para mí, ilustraciones de los cuentos que incluyo en la novela. Creo que todas las artes, pintura, literatura, incluso la filosofía, son manifestaciones de lo mismo. Me gustaría recuperar la honorabilidad del oficio de antes. Ahora se ha perdido el orgullo del artista, que ha sido sustituido por la vanidad en la autoría. Por eso el protagonista de la novela, Anatol, prefiere dejar las ferias universales y recorrer los pueblos, para reivindicar la honorabilidad del oficio.

Las obras que nos han llegado del Renacimiento nos hablan de una dignidad que se ha perdido, cuando los conceptos de artista y artesano estaban fundidos. Hoy los artistas carecen de rebeldía y de autocrítica, son vendedores que se pliegan ante los caprichos de la sociedad. Se valora la firma, no el trabajo.

Fuente: Circulo.es (Círculo de Lectores)

Posted by Alicia Rosell on miércoles, 14 de junio de 2006 at miércoles, junio 14, 2006 | Permalink

Hola, Alicia, soy Juan Carlos, tu paisano de "Relataduras". Disculpa que no te haya visitado antes, pero he estado liadísimo últimamente. A partir de ahora me daré de cuando en cuando una vuelta por aquí. Tiene muy buena pinta tu blog...

Un abrazo.

Juan Carlos

Posted by Juan Carlos Márquez | miércoles, 14 junio, 2006

Hola,Juan Carlos.
Me has dado una grata sorpresa con tu visita. No te preocupes, que sé el trabajo que llevas a cuestas, yo misma estoy cada vez más liada. Te he visitado menos, pero te sigo desde que te conocí por Aledaños.
Gracias por tu comentario, eres bienvenido a este mi humilde blog. Espero no desilusionarte según vayas leyendo... Un abrazo, Juan Carlos.
Nos leemos.

Alicia Rosell.

Posted by Alicia Rosell | jueves, 15 junio, 2006

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